Attack On Memory,Cloud Nothings, 2012 Carpark records
Comme l'an dernier, ce début d'année musicale est d'une grande richesse.
Il y a ceux qui étaient attendus comme Lambchop, tindersticks, Andrew Bird et Leonard Cohen et qui généralement furent à la hauteur de l'attente placée en eux. Puis il y a ceux que la France a découvert récemment. Par exemple Cloud Nothings, qui était réservé à un cercle de connaisseurs, est entrain de connaître un joli succès en France avec son Cd Attack On Memory.
Une jolie histoire: Dylan Baldi, le leader-fondateur de Cloud Nothings a composé ses premiers morceaux sur un ordi dans la maison de ses parents dans la grande ville de Cleveland. A ce moment là, Baldi a 18ans et il commence des études dans un "college" réputé de l'Ohio. Quelques mois plus tard, il abandonne ses cours et fait la première partie de The Real Estate à Brooklyn.
Le moi de janvier a commencé avec le meilleur cd du siècle du mois. Attack On Memory de Cloud Nothings.
C'est fou le bien que procure le rock brut lorsqu'il est mené par un type d'à peine vingt piges. écoutez "wasted days". Voila un morceau parfait pour comprendre en quoi Attack On Memory est un cd juvénile et puissant. L'intro est absolument foudroyante. Ce riff de guitare transcendant doublé d'une section rythmique aussi compacte que du métal met directement les choses au point: ce n'est pas un cd de valse.
Arrive la voix éraillée de Baldi qui tire sur celle de Julian Casablancas et puis, il y a ce break en milieu de morceau et ce crescendo avec une guitare à la Peter Buck qui nous emmène à la sixième minute dans un tonnerre électrique, bruitiste et jouissif. Baldi utilise alors les cordes vocales qui lui reste pour parfaire cette tempête qu'est "Wasted Days" pour un final grandiose à la Do Make Say Think: une apocalypse organisée.
Notons aussi cette petite phrase qu'éructe Baldi à la fin du morceau d'ouverture "... No future!!! No Past!!!..."
Avec "Separation" et "No Sentiment" Cloud Nothings est l'avalanche électrique dans laquelle il faut se faire happer
L'actualité
musicale fut intense ces derniers mois. Récemment nous avons assisté
aux sorties des CDs de groupe tel que Radiohead ou de TheStrokes, mais également à la « mort » de LCD
Soundsystem et plus localement à celle de Noir Désir.
Toujours
dans l'ombre des grandes multinationales, les groupes indépendants
se font une place avec l'aide d'un public en continuel
agrandissement. Ainsi le groupe écossais Mogwaï fut même
diffusé à la radio tandis que le noise rock des Pains Of Being
Pure at Heart a réussi à paraître dans plusieurs magazines
culturels en France.
Il y
a plusieurs façons de penser à la musique en général. Parfois
lorsque l'on s'assoit pour faire une liste, on pense aux chansons qui
semblent importantes - peut être ont-elles changé la musique ou
furent emblématiques d'une culture alors en rigueur. Puis on pense
aux morceaux qui nous font nous sentir bien quelque soit le moment où ils arrivent. On entend les premières notes, on se rappelle
de tout ce que cette chanson a fait pour nous, l'enthousiasme
grandit, on veut chanter le long du morceau- eh! Ils arrivent déjà
au refrain...
Pourtant,
cette courte période avait mal commencé....
Souvenez-vous...
fin novembre, Noir Désir disparaissait. À L'inverse de
LCD Soundsystem qui s'est offert un show de trois heures au
Madison Square Garden pour dire adieu à la scène, Noir Désir
a publié un communiqué de trois lignes annonçant la mort du héraut
du rock français.
Un monstre sacré de la musique vient de s'éteindre.
Le mardi 30 novembre 2010, le plus grand groupe français de tous les
temps a rendu les armes. Le groupe vient d'éclater. Quel
choc...quel vide tout un coup.
Je m'en rappelle, j'avais douze ans lorsque j'ai entendu pour la
première fois un morceau de Noir Désir, « le vent
l'emportera ». Ma sœur venait de m'offrir Des visages des
figures, elle avait alors déclenché en moi une passion, la
musique. Dès les premières notes de Des visages des figures,
la basse enjôleuse de « l'enfant Roi », les vers lancés
par Bertrand Cantat, j'étais tombé amoureux.
Leur manège m'enchantait.
Par la suite, je découvris leur entière discographie. De Où
veux-tu que je regarde à Nous n'avons fait que fuir en
passant par Veuillez rendre l'âme et Du ciment sous les
plaines. J'allais de chefs d'œuvre en chefs d'œuvre.
Et jamais depuis le jour où j'ai découvert Noir Désir ne
passe une journée sans que je n'écoute un de leurs morceaux. Ils
sont rentrés dans ma vie et ils en ont pris part. Quoiqu'il arrive
je suis toujours accompagné, chacun de leur texte s'accordant à un
moment vécu.
Du Grunge avec Tostaky en 1992, du rock pur et dur en 1996
avec 666.667 club et un CD accomplie et merveilleusement
produit en 2001 Des visages, des figures. Tout! Ils ont tout
fait! Mais quel autre groupeen
France à une aussi large palette de style? Un groupe, a t-il un jour
égalé les vers emplis de romantisme de Noir Désir? Cette
rage musicale et cette douceur d'écriture?
Je
ne veux même pas rappeler leurs différentes victoires de la
musique, le groupe lui-même n'en faisait que peu de cas, je préfère
rappeler leur prise de position durant cette même cérémonie lors
de laquelle, dans une lettre adressée directement au « camarade
PDG » Jean Marie Messier, ils critiquaient d'une si belle
manière la mondialisation capitaliste avec notamment cette phrase
(Jean Luc Delarue s'en rappelle encore) : « Nous
ne sommes pas dupes de ton manège, et si nous sommes tous embarqués
sur la même planète, on n'est décidément pas du même monde »
Ils posaient un regard critique sur le monde qui les entourait. Un
don de l'écriture, une prose magnifique.
Un
CD en particulier, Tostaky(en
92), a marqué au fer blanc la musique française. Jamais du rock
n'avait été aussi fort. Un grunge (« here it comes slowly »)
made in France voit le jour.
Magnifique,
engagé, puissant. Il réinvente le noise rock (« one trip, one
noise ») et surtout, d'un riff d'un seul, Noir
Désir
va devenir la figure de proue de la musique française: Tostaky(le
continent), « Tout est ici », en est la traduction
littéralle. 5 minutes jamais égalées. Furieux constat, suivi d'un
solo de guitare légendaire, ces breaks fabuleux qui précédaient
les refrains et ces éclairs de génie lors de la strophe finale
« Ils disent qu'ils ont compris/Qu'il n'y a plus
le choix/Que l'esprit qui souffle/Guidera leurs pas »
Quel
autre groupe a réussi à mêler le romantisme de Gérard De Nerval,
les spleens adolescents des Beatles mais aussi l'engagement de
l'écriture de Brassens et Léo Ferré?
Un monument de France vient de s'écrouler.
Bon il n'y a pas eu que des « morts » ces
derniers mois.
Certains groupes ont confirmé qu'ils étaient bien
vivants et plus en forme que jamais.
Commençons par ce groupe canadien, Destroyer.
Comme le nom ne le laisse pas du tout deviner, il s'agit d'un groupe
de « Lite Jazz » (et non de métal), c'est à dire une
sorte de folk avec des rythmes binaires qui font plus penser à un
semblant d'hyperdub qu'à une quelconque rythmique jazz.
Dan Bejar, qui est aussi le leader des New
Pornographers, est cette fois-ci accompagné de quelques cuivres
et d'une bonne dizaine de musiciens.
L'arrivée en masse des cuivres dans la musique de
Destroyer est une chose assez nouvelle. Jamais dans leurs précédents
CDs comme Streethawk ou Trouble In Dream, Destroyer
n'avait autant usé du saxophone, du cornet ou même de la trompette.
Sur Kaputt, l'apport subtil de ces instruments qui sont
d'habitude mis en valeur dans des solos interminables ont ici le rôle
plus modeste (mais noble) d'appuyer des lignes mélodiques
franchement classes. Le titre « Suicide Demo For Kara Walke »
ou le morceau éponyme illustre l'apport très intéressant de ces
instruments à vent.
Daniel Bejar
En plus de ces morceaux complexes viennent s'ajouter des
titres beaucoup plus pop aux mélodies prenantes comme « Chinatown »
: morceau plaisant, véritable « tube » de trois minutes.
Mis à part « Chinatown », les amateurs du
couplet-refrain vont être déçu avec Kaputt.
Dan Bejar, comme il avait déjà commencé sur leur
précédent CD Trouble In Dream, parle plus qu'il ne chante.
Parfois il mélange les deux comme sur le morceau « Song For
America », titre qui fait également partie des nombreux points
forts de Kaputt.
Kaputt se
termine sur le morceau le plus bizarre de ce début d'année: « Bay
of Pings ». Enchevêtrement sur onze minutes d'éléctro,
d'étranges boites à rythmes et du chant encore plus éraillé que
d'habitude de Dan Bejar. D'abord inaccessible, à force d'écoutes
multiples, ce morceau dévoile petit à petit des trésors cachés et
des moments vraiment plaisants.
Un bon CD en somme.
De l'autre côté de l'Atlantique (le nôtre en fait),
Mogwaï, un groupe de post rock écossais, sortait leur
septième CD : Hardcore Will Never Die, But You Will.
Eh beh ! On peut pas dire qu'ils se soient renouvelés.
C'est malheureusement le genre de groupe qui après avoir publié un
magnifique premier CD (Mogwaï young Team), cherche
continuellement à l'égaler sans jamais réussir. Déjà sur le CD
précédent, The Hawk Is Howling, quelques longueurs lassantes
étaient présentes, et certains morceaux étaient franchement
pénibles (« Kings Meadow » sérieux, c'est quoi ça?! )
Il ne faut pas être totalement mauvaise langue non
plus!
Deux, trois changements sont présents sur Hardcore...
D'abord l'apparition d'une voix, chose rare pour Mogwaï
qui est à la base uniquement instrumental.
Sur « George Square Thatcher Death Party »,
une voix est présente, certes modifiée et « vocodée »
comme c'est pas possible, mais l'arrivée de ces voix et cœurs
apportent un souffle nouveau par rapport aux albums précédents. De
plus, Hardcore est trois fois plus accessible que ses prédécesseurs.
Le son de Mogwaï s'est arrondi dans ce sens.
Guitares vrombissantes et nappes éléctro toujours
aussi compactes, certains morceaux dotés d'un souffle héroïque
comme « How To Be A Werewolf » ou « Mexican Grand
Prix » attire naturellement l'oreille.
Mieux que The Hawk Is Howling, mais tellement
loin de Young Team, Hardcore Will Never Die But You Will
ne marquera pas l'histoire de la musique.
Ok, Destroyer et Mogwaï ne sont pas des
groupes très connus. Mais le mois de Février et de Mars m'ont rendu
un fier service à ce sujet. C'est-à-dire : faire paraître un CD de
Radiohead et des Strokes.
Le premier The Kings Of Limb, est sorti de nulle
part au milieu de février. Radiohead, groupe friand du très saint
« buzz » annonça un lundi, que leur huitième album
sortirait dans cinq jours. Ainsi ils prenaient de court tout le petit
monde de la musique. Petit jeu devenu leur favori depuis la sortie
également spéciale de leur septième CD, In Rainbow.
The Kingd Of Limbs se distingue par une
production à couper le souffle et une... euh une... ah, non c'est
tout en fait.
Voilà ce que l'on pourrait appeler le syndrome Satriani
ou Massive Attack. Une production parfaite et une technique
ébouriffante, mais pas, ne serait-ce que quelques instants, la lueur
d'une émotion. Autrefois Radiohead nous faisait pleurer avec des
morceaux comme « Exit Music » ou « Lucky »,
plus récemment des titres de In Rainbow apportaient également
leurs lots d'émotion, notamment avec « All I Need » et
« Reckoner ». Mais là, mis à part « Give Up The
Ghost » et peut être « Separator », The King Of
Limb est vide de sentiments. Et pour un groupe du calibre de
Radiohead, cela pourrait être qualifié d'embêtant...
Dans le club des groupes à dix milles seeds par jour,
The Strokes a également sorti son cd : Angles...
éléctro Pop à souhait, dans la veine du CD solo de Julian
CasablancasPhrazes for the Young. Au feu l'esprit rock
garage de leur premier CD Is This It. A l'image des titres
« Games » et « Life Is Easy In The Moonlight »
remplis de synthés franchement douteux.
Se renouveler est une bonne chose. Mais sauter dans
l'inconnu n'est pas non plus une bonne idée. Ils donnent (sans doute
à tord) l'impression d'avoir découvert des claviers et de s'amuser
comme des gosses avec. Puis sérieux, la musique (comme la pochette)
est vraiment kitsch. Écoutez l'intro de « Two Kinds Of
Happiness ». On pourrait croire à un vieux soundsystem des
Bee Gees. En fait ce n'est pas kitsch, c'est moche. Impossible
de rentrer dedans. Après avoir écouté Angles en boucle (je
suis un grand fan des Strokes) impossible d'éprouver de la
sympathie pour le petit (35 minutes -argh-!) dernier des Strokes.
Le tableau n'est pas totalement noir.
Deux rescapés méritent d'être cités. D'abord le
titre d'ouverture « Machu Picchu ». Morceau riche dans
lequel Julian Casablancas nous régale de sa voix hors norme, le
succès de ce titre doit aussi beaucoup à Albert Hammond Jr, LE
grateux du groupe ; qui enchaîne lignes de guitare et riffs
efficaces.
Puis il y a ce
morceau, sans doute le meilleur du CD : « Taken For A Fool ».
Sur ce titre The
Strokes se libère des
conventions et des règles. Sur le couplet la voix de Casablancas
fait méchamment penser à celle d'Annie
Lennox pour le
meilleur des effets. Puis quelques breaks plus tard et un
post-refrain vraiment superbe, le second couplet déboule et subit
une agréable variation montrant la richesse et le talent d'un groupe
sans doute loin d'être mort.
Il y a aussi eu de
bons Cds, ces derniers temps, rien d'exceptionnel cependant. Sans
doute que la palme reviendrait au troisième CD d'Alamo
Race Track, groupe
Hollandais (sans rire) qui répond au joli nom de Unicorn
Loves Deer. De qualité égale
à ses prédécesseurs, Unicorn... se démarque en plus par des
arrangements plus riches, et des morceaux moins faciles. Moins
« tubesque » que Birds At Home
et Black Cat John Brown,
Unicorn Loves Deer
prouve qu'une musique complexe peut être aussi efficace qu'un
empilement de morceaux au format classique.
Gros coup de cœur pour le morceau éponyme et le titre
« Shakes Off The Leaves » qui rassemble la folie des
débuts et la maturité musicale d'un groupe rompu à l'exercice.
Il y a eu plusieurs séismes en Amérique du nord en 2003.
Mais pour une fois, ce ne sont pas les Etats Unis qui ont servi de théâtre aux épicentres de ces tremblements de terre. Déjà, début janvier, il était annoncé que le "super méga groupe indépendant de l'année" allait être canadien. Ils ont un nom d'animal, ils ont l'air un peu fou et en plus ils font du lo-fi.
Bingo.
Ils s'appellent the Unicorns et leur Cd "who will cut our hair when we're gone" va tout casser. Et c'est exactement ce qui va arriver. Le succès était programmé. Critiques élogieuses (le 8.9 de pitchfork) et influence étonnamment importante à leur concert. The Unicorns enchaînent la même année une tournée mondiale... un début de carrière parfait en somme.
Mais, un canadien en cache un autre.
Nick "Diamond" Thorburn
Un collectif, plus qu'un groupe, du nom de Broken Social Scene qui était pour le coup absolument anonyme et pas attendu par qui que ce soit à plus de 100 mètres de certains quartiers de Montréal sort fin 2003 un grand disque de musique moderne: "You forgot it In people": Magnifique brouhaha, capharnaüm grandiose et morceaux plus héroïques les uns que les autres. "You Forgot It In People" pourrait aisément être la bande son des douze travaux d'hercules. Le souffle épique mené en grande partie par de l'instrumental (60% de l'album) nous amène du premier morceau "capture the flag" à la conclusion "Pitter Patter Goes My Heart" en surtension et le coeur à 100 à l'heure. Avec quatre guitares à la Titus Andronicus, les titres "cause = time" ou "lover's spit" font office de tornades au milieu de la tempête que provoquera les 12 titres de "You Forgot it in People".
A noter que c'est le collectif Broken Social Scene qui fera émerger Feist au niveau de la scène internationale.
Les excentriques de the Unicorns avaient choisi un petit groupe pour faire leur première partie qui venait de sortir un petit ep: Arcade Fire.
La chose est comique quand on sait la tournure que vont prendre les choses. Sur 100 personnes, 75 connaissent Arcade Fire, 5 connaissent the Unicorns. (D’après un sondage TNS Sofres).
La même année, l'aventure des Unicorns prendra fin brutalement sur scène. Le leader, Nick Diamonds (que Dieu le bénisse) quitte la scène, insulte une dernière fois ses deux compagnons et déclare ne plus supporter son train de vie. Ainsi the Unicorns meurt au sommet de leur fulgurante carrière. Diamonds prend des vacances et plus aucun son n'émanera de son pied à terre en Californie pendant plus de trois ans.
Entre temps, le Canada ne l'a pas attendu pour s'inviter au rang de pôle majeur et plaque tournante de la musique en général. Que ce soit avec Dan Bejar avec l'explosion de The New Pornographers ou de Destroyers ou même avec l'arrivée fracassante en 2004 de Funeral d'Arcade Fire. Il y a également le départ prometteur-menteur de Patrick Watson avec Channel 9 et plus tard les francophones de Karkwa qui se faisaient connaître avec leur second album, Les Tremblements s'immobilisent. N'empêche, Karkwa sont les derniers français depuis Charlebois à faire paraître leur "Tounes" dans le top 50 canadien (avec "le pyromane" il me semble...)
Bref, c'est donc oublié du grand public mais attendu des critiques que Nick Diamonds revient avec son nouveau groupe accompagné de son ancien batteur (ex unicorns) J'aime Tombeur (c'est son nom) sous le nom d'Islands.
En 2006, leur premier cd s'appelle "Return To The Sea" avec à la guitare et à la production Will Butler (le frère de Win) et déjà Islands s'inscrit comme la juste évolution des Unicorns: Toujours peu accessible mais contenant pour une fois des motifs de grande beauté. L'attente construite pour arriver à l'accord juste qui frappe et accroche. De doux moments (Swans) et d'irrésistibles balades (Don't Call me Whitney, Bobby et Bucky Little Wing).
Il y a presque six ans, j'entendais pour la première fois "Return To The Sea" et sa superbe ouverture. J'étais en vacances, en juin 2006, chez mon frère alors au chômage, je revenais de la claustro Martinique pour retrouver les espaces des Alpes. Et c'est sur une longue et lente sinueuse route de montagne que mon frère avait glissé le fameux "Life After Death". A cette époque alors, Islands était pour moi un groupe qui prenait le temps d'être décalé. Où la basse syncopé couplé avec le riff heureux et léger étaient en symbiose avec le balancement des routes. Pour mon frère, c'était le reflet de son "dépit d'avoir du temps de libre" et pour moi les vertigineux presque 100 jours de vacances qui m'attendaient: joyeux, mais pas beaucoup plus.
Plus tard en 2008 Islands sort leur deuxième cd, Arm's Way. En France il fut accueilli avec un certain succès. Je suis prêt à parier que ce succès français est largement dû à Deezer. A la rentrée 2008, Deezer est en plein boum: son interface vient d'être refaite et son nombre d'adhérents se multiplie de jour en jour. C'est à ce moment-là que la plateforme musicale avait choisi de mettre en page d'accueil le second cd d'Islands durant presque deux semaines. Paradoxalement, Arm's Way n'est pas le meilleur album du groupe canadien. Trop symphonique, trop pompeux, trop de violons dans tous les sens. Il y a toujours ces mélodies classes (The Arms, Kids Don't Know Shits) mais sérieux ça devient carrément nimp' au bout de la première minute. D'ailleurs, ça a un effet presque comique à la longue.
Un an plus tard, ils commettaient leur pire forfait, ovni en France, "Vapours" est passé inaperçu et pour cause. A partir de la 10ème seconde du second titre No You don't on comprend que Nick Diamonds a totalement craqué. Electro moche, sons ringards et le vocodeur sur Heartbeats sont autant de choses qui font de Vapours une erreur avant tout autre chose.
Accueil des critiques en forme de grand écart. Islands après un départ en or, continue à tracer sa route dans le monde indépendant sans plus d'éclat, le génie les ayant délaissé. Vivant comme n'importe quel groupe malgré le prestigieux passé des Unicorns, est désormais très très loin derrière eux.
Avec A Sleep And a Forgetting, Islands devient un drôle de mutant : il y a du Tindersticks la dedans. Le Tindersticks de la fin des années 90 avec « Curtains » et « Waiting For The Moon ». Il y a cette même orchestration riche et classe où la finesse et l'assemblage des pistes sont une marque de fabrique. Là où Arm's way devenait vite trop gras, A Sleep s'affine avec richesse. Le morceau d'ouverture « In A Dream » illustre cette volonté d'être sobre et complexe à la fois. Deux guitares, quelques violons, une section rythmique, des claviers mais Islands reste calme. Tout s’enchaîne avec subtilité, chaque morceau devient un océan de sons ultra épurés. De plus Nick Diamonds a peut-être enfin trouvé la bonne voie. Il arrête de passer d'une octave à une autre sans arrêt. C'est désormais dans les tons les plus graves que ça voix évolue le mieux... c'est plutôt agréable après l'Auto Tune de Vapours et les glapissements de Arm's Way ! Le chant de Diamonds sur « Lonely Love » est magique.
Il y a également du regret dans ce cd. Chose habituelle, Diamonds s'inspire d’événements récents de sa vie pour écrire ce cd on parle beaucoup de sentiments impossibles à montrer, d'actes manqués et de larmes qui ne viennent jamais. Islands rajoute à ses crises existentielles quelques moments de grâces irrésistibles (comme le poignant « This Is Not A Song », qui vous mettra forcement à genoux) et vous obtenez la recette de A Sleep and a Forgetting : des textes graves et bizarrement sérieux pour Islands.
Du dépouillement élégant du plus beau titre de l'album « Oh Maria » au riche « Never Go Solo » en passant par l'étrange rythmique du très classe morceau de clôture « Same Thing » Islands se hisse au niveau de ces groupes classes qui savent placer des multitudes de pistes dans des grands environnements sobres. J'aime cette fine obscurité dans laquelle nous sommes forcés de plonger avec joie. Et ce qui est fou, c'est qu'on y retourne à chaque fois. L'unité de l'album nous engloutit sous sa masse et nous empêche de trop bouger et lorsqu'enfin on se dégage, « Hallways » reste gravé dans notre gorge. Impossible de se défaire tant les 11 titres sont justes bons et prenants. En plus son format frôle la perfection : 37 minutes pour 11 morceaux, ça c'est très bon.
Le seul petit point noir de l'album c'est le titre « Cold Again ». On ne sait pas trop ce qu'il fait là. Il casse l'univers et l'élan mélancolique au milieu des titres « Lonely Love », « Oh Maria » et « Don't I Love You ». Comme un anachronisme. Je ne remets pas en cause la qualité du morceau, mais plus son insertion et peut être même son intérêt. Mais ce n'est qu'une poussière dans les beaux motifs dessinés par Islands sur tout le reste de l'album.
Et devinez quoi... Islands est accessible ! Nick Diamonds a tout fait pour qu'on trébuche sur A Sleep And a Forgetting et ça ne m'embête pas de tomber pour Islands. Je suis même à genoux.
Arcade Fire sort son troisième CD : The Suburbs (la banlieue).
Après avoir réalisé avec succès leur deuil en 2005 avec leur
album Funeral, et pleuré sur toutes les misères du monde sur Neon
Bible paru en 2007, arrive maintenant ce CD de 16 titres (!!!).
Cette
fois-ci Win et Will Butler se lamentent sur leur enfance passée dans
une banlieue de Houston. De zéro à douze ans, les joies et les
peines des frères Butler sont racontées pendant plus d’une heure
et dix minutes sur cet album concept. Oui, car The Suburbs est un CD
concept tout comme Funeral et Neon Bible et il est vrai qu’une
nouvelle fois ce disque d’Arcade Fire possède une véritable
unité, une logique. Sans jamais tomber dans la répétition, tous
les morceaux se suivent sans aucun temps mort, toujours relié soit
par une boucle électro, soit par un pont (qui d’ailleurs tombe
parfois comme un cheveu sur la soupe, par exemple la transition entre
les deux chansons Empty Room et City With no Children) mais qui peut être parfois assez génial (entre The suburbs et Ready to Start).
De plus,
l’album est construit de manière à respecter la chronologie du
temps, ainsi, en début d’album, on peut entendre Win Butler nous
conter sa petite enfance sur des morceaux tels que The Suburbs et
Ready To Start pour enfin nous parler de ses derniers moments en ces
banlieues de Houston avec les deux derniers morceaux qui achèvent
cet album : Sprawl 1 et 2.
Live d'arcade fire dans un ascenseur, à voir sur le site de la blogothèque
Ici, ne cherchez pas, il n’y a pas
d’hymnes ni de morceau mythique comme il y avait dans Funeral avec
les titres Neighbourough, Wake Up ou encore Rebellion. Vous trouverez
« seulement » des morceaux de grande qualité, encore
plus intimistes et moins abordables. Certes, les fans d’Arcade Fire
seront ravis, mais les autres peuvent s’ennuyer quelques minutes
pour finalement passer outre. Un CD long, sans aucun tube, aucun
morceaux véritablement accrocheurs, mais ça, le couple leader
d’Arcade Fire, Win Butler et Régine Chassagne s’en fichent
royalement, pas plus intéressés par la succès commercial que par
la future vente de ce Cd, ils feront à peu près tout pour se
détacher de leur maison de production et paraître le plus
« indépendant » possible. D’ailleurs, Win Butler a
récemment déclaré dans un journal anglais : « de toute
façon, en ces temps troublés, l’industrie du disque va en chier,
alors à quoi bon essayer d’en vendre ? » …/… « Cela
peut être notre dernier disque, mais nous y avons mis le meilleur de
nous-mêmes. The Suburbs est sans doute notre meilleur CD ».
Voilà qui est dit.
De toute façon, Arcade Fire n’est plus là
pour faire ces preuves ou pour conquérir un public. S’il y a bien
un groupe qui peut se permettre d’être de moins en moins
accessible, c’est bien eux. Ainsi, The Suburbs est un excellent CD
contenant plusieurs pépites comme Wasted Hours, The Sprawl(2), Deep
Blue et srtout le morceau éponyme doté d’une ligne de piano
extrêmement prenante au-dessus duquel vient se coller la voix de Win
Butler, toujours belle et grave, qui atteint des sommets (jusqu’alors
jamais entendu chez Arcade Fire). Propre et sérieux, Arcade Fire n’a pas
faiblit pour passer l’étape du troisième album et devient même
une valeur et une référence sûre du XXIe siècle dans
le monde de la musique.
Première parution dans le "pasteur déchaîné" novembre 2010
L'envie de faire un court poste fut soudaine lorsque j'ai entendu les infos ce matin.
La culture selon le ministre F. Mitterrand.
Bon déjà lorsque notre ministre avait supprimé Céline de la liste des célébrations nationales, quelque chose clochait. Parfois, pour m'amuser, j'imaginais alors la tête de Fabrice Luchini entendant la nouvelle. Lui qui est un passionné de l'œuvre (oui, oui, de l'œuvre), qui en parlait avec passion sur les ondes de France Inter en nocturne entre 2h et 4h du matin, et enfin lui qui avait monté un spectacle se basant sur la récitation des textes de Céline. Lui, il a dû faire 4 crises cardiaques lorsqu'il a entendu la nouvelle.
Ensuite, il y a eu Christophe Maé.... Oui, F. Mitterrand a fait de Christophe Maé Chevalier des Arts et des Lettres en 2011.
Alors ensuite la question s'impose: Est-ce que Mitterrand a des goûts musicaux qui dépassent l'humain ou est-il conseillé par de pauvres types? À vous d'imaginer une scène: Celle de Malraux, qui, dans sa tombe, entend qu'un produit bidon et éphémère qui parle "mal la France" se voit décorer par un insigne qui est censé décorer "les personnes qui se sont distinguées par leur création dans le domaine artistique ou littéraire ou par la contribution qu'elles ont apportée au rayonnement des arts et des lettres en France et dans le monde".
Christophe Maé a apporté une contribution au rayonnement des arts et des lettre "Comme une flèche qui nous illusionne, oh non faut pas"
Et désormais, voilà que Shakira se voit être décorée Chevaliers des Arts et des Lettres aujourd'hui même. Cette ambassadrice du bon gout et du féminisme a sans doute conquis Mitterrand avec sa voix. Ou son talent. Enfin peu importe, elle a vendu un paquet de CDs et en plus elle « buzz » avec sa reprise pourrave de Cabrel "Je l'aime à mourir". En plus, pour ceux qui ne savent pas, Cabrel avait déjà fait la version en espagnol. Oui, c'est une imposture.
Chevalier des arts et des lettres… Enfin, vu désormais l'insignifiance de la chose, on peut même encore s'étonner qui la "donne" encore. En effet, 200 personnes sont décorées tous les 6 mois de cette médaille. Ainsi, pour le fun, je vais citer quelques "chevaliers" (véridique) : -M.Solly, directeur général adjoint de TF1 -M.Schmit, Notaire (oui, notaire) -M.Trique, titulaire des orgues de la cathédral de Laval (en fait, lui, je l'ai mis pour son nom) -M. Aliagas, euh...
Voilà maintenant ma liste que je vais envoyer aux spécialistes de la culture française : - Mon voisin qui fait du piano tous les matins à 5h - Mickael Vendetta - un pigeon - F. Mitterrand (la boucle est bouclée)
- Franky Vincent
- Doc Gynéco
- BHL
Oui la cible est facile. Mais sérieux, comment résister?
Pourquoi Muse est-il un groupe bidon?
Holà! En voila une question intarissable!
Si on doit énumérer toutes les raisons qui font de Muse le groupe le plus inutile, fade, grandiloquent et prétentieux du moment on n’est pas sorti de l'auberge!
Mais alors, pourquoi je gâche mon temps à parler de ce groupe?
Dans la vie, des choses, des évènements, des phénomènes inexpliqués se produisent. Parfois étranges, souvent incompréhensibles. Pourquoi les serpents existent-ils? Pourquoi Arthur fait-il des spectacles alors qu'il n'est pas drôle? Pourquoi Nguyen n'a t-il pas eu d'oscar pour son chef d'œuvre « Birdemic »? Mais une question encore plus dingue se pose....Pourquoi Muse a t-il du succès?
La preuve au sein même du lycée Pasteur où une bonne partie des maîtres des lieux est fan hystérique du trio anglais.
Plusieurs fois (tout le temps en fait) à la suite de la sortie d'un « Pasteur Déchainé » j'entends des « Il y connait rien ce type, c'est trop bien Muse! » ou des « Pourquoi s'acharne t-il sur Muse? Il n'a que ça à faire de sa vie? »
Je vais enfin répondre à vos questions!
Il faut savoir que Muse avait plutôt bien commencé, c'est vrai, il faut l'admettre...
Showbiz paru en 1999 n'était pas si terrible que ça...Le titre Fillip ainsi que le morceau éponyme pourraient même être qualifiés de potables.
Rien qu'avec leur tronche plus rien ne va
Le tube de l'album Unintended laissait malheureusement déjà prévoir les catastrophes à venir. Sur Unintended Matt Belamy étale toute la guimauve possible. Vas-y que je te balance des nappes électro bidons fabriquées grâce à Fruit Loop en 2sec et que dessus je pose ma voix sur laquelle mes ingés-son vont passer deux semaines en studio en lui mettant le plus d'effets possible. Même Jean Michel Jarre n'aurait pas osé commercialiser ça!
Mais bon ne soyons pas trop dur, ce n'est qu'un premier album...
Deux ans plus tard sortait Origin Of Symmetry. Avec ce CD Muse atteindra des pics de qualité qu'il n'atteindra plus jamais par la suite.
Des tubes ultra corrects (Bliss, Plug In Baby), des chansons plus réussies que sur Showbiz et même un titre que l'on pourrait classer au panthéon des meilleurs morceaux du XXIème siècle Citizen Erased (à écouter en Live sur le CD Hullabaloo).
Mais voilà, Muse ne s'arrêtera pas ici...
Il faut d'abord savoir que quelque temps avant que ne sorte Origin of symmetry, Ghinzu nous faisait découvrir son premier album Electronic jacuzzi devenant ainsi le groupe référence du rock lyrique de cette période.
Écoutez Electronic Jacuzzi et Absolution vous trouverez des ressemblances assez dingues...
Bref, passons...passons...
Avec Absolution Muse se découvre un ego. Un gros. Comme preuves, des morceaux inutiles comme Intro et Interlude. Des morceaux où ils envoient la « sauce » et rien d'autre (c'est embêtant), Apocalypse Please, par exemple.
« Après le succès commercial d'Absolution, Muse passe des indés à Warner et prend ses aises dans le délire cosmique de ses productions ».
J'imagine la scène, notre ami Matt Belamy (le « chanteur ») dit à son bassiste Christ Wolstenholme:
-« Hé! T'as vu! Maintenant que l'on a les moyens et qu'on est un groupe commercial qui vend beaucoup on peut se permette de faire tout et n'importe quoi! Yes! Appuie donc sur ce bouton... « bip »... wouah énorme! Viens on va mettre ce son en boucle dans un morceau! »
Ecoutez donc Ruled by secrecy, Starlight, Take a Bow et j'en passe et j'en passe...
Mais laissons de coté Absolution.
Muse enchaîne alors des tournées mondiales, guichets fermés à chaque concert, une folie incroyable! Ils remplissent même le mythique Stade de Wembley.... Produits dérivés de toutes sortes voient alors le jour: parapluies, sacs isothermes, mugs, gourmettes...
15 millions de CD vendus, mais où vont-ils (enfin) s'arrêter?
Pourquoi autant de succès?
Sur scène Muse atteint des sommets du grotesque, effets pyrotechniques à en faire pâlir George Lucas: une mise en scène taillée à leur démesure. Grotesque, mais en même temps la surenchère absurde d'effets affligeants permet au groupe de se rattraper sur autre chose.
Ah? Qu’entends-je? Comment ça?
« Nous n'avons simplement pas l'intention de nous répéter ».../... « tous nos albums sont très différents » déclare Christ Wolstenholme dans une interview au magazine musicale online « The Sounds Of Violence »
Vraiment? C'est étrange, j'étais pourtant persuadé que Bliss et Hysteria avaient la même structure, même schéma...Je croyais que lorsque des morceaux commençaient exactement par le même style d'intro électro abstraite, pour ensuite balancer un riff construit de la même façon, et enfin terminer sur une plage plus calme où Matt pleurniche pendant 1 minute (TER) c'était la même chose.
Rien qu'avec leur tronche plus rien ne va (bis)
Faut croire que non...
En 2006 arrive avec grand fracas Black Holes and Revelations remarquable déjà pour la finesse de son nom puis pour la légèreté du morceau d'ouverture que le très simple et minimaliste Starlight suivra. Après un début d'album des plus cacophoniques, ils relèvent enfin la tête avec Map of problematic, sans doute le morceau de Muse le moins ignoble de ces cinq dernières années.
Pour ce qui est du reste de l'album, imaginez un énorme gâteau au caramel et chocolat, par dessus duquel vous rajoutez une tonne de chantilly, quelques meringues, de la crème (de toutes sortes) et sur lequel vous ajouterez un nappage. Vous allez vomir comme jamais.
Et ben la deuxième partie de l'album de Muse c'est pareil. Guitare à réverbe comme jamais The Verve n'avait encore jamais osé produire, rajoutez-y le batteur de la fanfare de St Vit et le brailleur habituel....Vous obtiendrez Invicible. A noter sur ce morceau sans doute les passages les plus kitsch de l'histoire de la musique: à 3min36 (le magnifique écho de la voix de Matt) et le solo de guitare où de magnifiques boucles électro viennent s'ajouter.
Toujours dans le cadre du gâteau: regardons un peu le titre au nom de Assassin ou Comment faire croire que l'on est un groupe de rock alternatif alors que l'on est un groupe de rien du tout?. Même formule que sur les autres chansons: Intro insupportable, surcharge d'effets pénibles et inutiles, riff bidesque....
Sur la suite de l'album nous pouvons remarquer que Jean-Louis le batteur de la fanfare de St Vit vient donner une nouvelle fois un coup de main à Dominic Howard. Si si je vous jure c'est bien lui sur l'enregistrement des pistes rythmiques sur Exo-Politics. Seulement comme ça...écoutez à 1min21, on parie que vous allez rire!
Enfin arrive le dernier morceau: Knights Of Cydonia!! Tadaaam! Les chevaliers de Cydonia débarquent! Magnifique galop en début de morceau auquel un solo de guitare taillé spécialement pour « Guitar Héro » vient s'ajouter. Mais attention ce n'est pas fini...lorsque Matt reprend (pour la deuxième fois) le même couplet, il rajoute sur sa voix l'effet le plus hideux de la décennie. Akon et son vieux Auto-tune peuvent aller se coucher. Matt va reprendre encore le couplet (pour la troisième fois si vous avez bien compté) mais cette fois-ci en plus du très moche vocodeur, Jean-Lu envoie la sauce à grand renfort de cymbales, grosses caisses et charleys tandis que les autres « musiciens » peinent à faire la différence entre musique et bruit. Ils ne la font pas en fait.
Rien qu'avec leur tronche plus rien ne va (ter)
Black Hole and Revelation a sans doute la conclusion d'album la plus laide de tous les temps.
Enfin leur dernier album The resistance paraît 2009...
On pensait que Muse avait atteint l'apothéose de l'écœurement avec Black Hole And revelations, grâce à The Resistance ils en atteignent l'acmé. Prétention. Il n'y a pas d'autre mot....
Prenez Black Hole And Revelations rajoutez-y encore plus de kitsch, d'effets moches et un égo extraterrestre et vous avez The Resistance
Sur chaque titre, on peut remarquer l'idée autour delaquelle ils construisent leur morceaux, le post-refrain sur Uprising, le creshendo sur Unnatarual Selection, l'idée de symphonie sur les exogenesis. Le problème c'est qu'ils n'ont que l'idée et rien d'autre...à chaque fois ils se perdent dans une soupe instrumentale que même les frères Gallagher auraient renié. Ils usent de ces points forts (ces fameuses « idées ») à en plus savoir quoi en faire.
Puis quand même, sérieusement, faut pas être un peu mégalo pour reprendre La Nocturne n°2 de Chopin? Repérable à la fin du morceau United State of Eurasia....
Je passe sur le grotesque des trois ultimes morceaux de ce « CD »
Je tiens à mettre un petit florilège des déclarations de fan de Muse lues sur différents sites de plateformes musicales: (vous excuserez les fautes d'orthographe)
« Évolution tout au long de leurs albums,c'est ce qui fait que c'est un grand groupe, on a jamais un album qui se ressemble et il nous surprenne tout le temps. » (Ahahahah!!)
« MUSEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEE ! ! ! ! ! ! . quel groupe de malade . c'est des dieux . personne leur arrivera a leurs cheville je dis bien personne . indémodable . leurs album ? hum .... comment dire ? une tuerieeeeeeeeeeeeeee ! . » (véridique)
« On adore, on est fasciné, on est agacé...Indifférent , Impossible ! Une création incontournable. Quoiqu'il en soit, une richesse. » (le mec qui ne sait pas de quoi il parle!)
Le meilleur pour la fin!
« aucun groupe encore en vie ne les vaut :)
Je m'en vais de ce pas militer pour l'avortement (farouchement)
Première parution dans le "pasteur déchaîné" Décembre 2010
Novateur, révolutionnaire, inégalable... les synonymes pour décrire le groupe de post rock Godspeed you! Sont facile à trouver. Le groupe le plus surprenant de ces 15 dernières années sans conteste possible sortait il y a 14 ans sortait leur premier cd avec en ouverture le lancement d'un brulot dans le monde du post rock et de la musique en général, The Dead Flag Blues.
The dead flag blues est le premier morceau du premier LP de Godspeed You! Black Emperor alors paru en 1997 qui répondait au nom étrange de « f♯a♯∞ » (Fa dièse La dièse infini). C'est aussi le plus accessible grâce à sa durée plutôt modérée (16:24min) et à sa claire lisibilité. Il faut d'abord savoir que Godspeed You! Black Emperor est un groupe ouvertement anticapitaliste. Aucun des membres du groupe ne participe à des interview excepté le présumé leader Efrim Menuck. Et lorsque celui ci prend la parole c'est uniquement pour expliquer les actions auxquelles ils participent. Cet activisme s'entend bien évidemment dans leur musique. Comme une norme, la musique de Godspeed You! se doit d'être engagée.
The Dead Flag Blues ne fait pas exception à la règle, c'est sans doute même leur morceau le plus explicite par rapport à leur engagement politique. En effet le morceau commence par un premier mouvement des plus direct : dès les premières secondes, une voix (celle de Menuck) fait son apparition et narre de manière imagée (?) le monde victime du capitalisme et de la corruption (« The government is corrupt And we're on so many drugs »). De manière parlée et claire, sa voix grave accompagnée d'un violoncelle et d'un alto, conte comment le monde d'abord trainé dans la bout par le libéralisme connaitra une fin à laquelle il ne peut échapper. Ils imaginent alors la Terre mis à feu et à sang, des carnages orchestrés par le monde des finances (« We're trapped in the belly of this horrible machine / And the machine is bleeding to death ») . Ils accusent aussi violemment les « tares » de notre société: la spéculation, l'encastrement des rapports sociaux dans les marchés, la mondialisation...
Pendant 2min45, Efrim Menuck fait en quelque sorte la fiche de présentation de son groupe. Je rappelle que c'est la première fois qu'un CD de Godspeed You! est mis en vente; ils ont soigneusement mis en place la première impression qu'ils voulaient donner à leur auditeurs.
Cependant, durant la triste mais magnifique description de la fin du monde, Efrim n'oublie pas ce qui fait le liant de son texte: l'espoir.
À la fin de son discours il nous dit que rien n'est inéluctable, et c'est justement ce point qui fait la richesse de la première partie. En effet, l'espoir ici est d'abord représenté dans le premier mouvement par le rappel des sentiments humains réciproques que sont l'amitié, la solidarité et l'amour (I said kiss me, you're beautiful […] You grabbed my hand [...]) et par les notes de guitare jouées très haut et en majeur qui apparaissent de manière éparse se mêlant à la ligne de violoncelle durant le deuxième mouvement. Ce violoncelle, justement, qui illustre le bourbier instable en forme de valse dans lequel nous mènent politiciens, trader et autre médiacrates, ceux-la même qui envoient les derniers restes d'humanisme se perdre dans les caves sans morale ni éthique des maîtres du monde.
Lors du deuxième mouvement la voix s'est tue et laisse désormais place à un quatuor à corde accompagné d'une sobre ligne de basse.
La signification de ce passage est très claire: c'est la fin du monde. Rien que ça! Nous sommes alors en mineur. Le ton est grave, mélancolique et sombre. Ce mouvement vient ainsi souligner de belle manière le discours d'ouverture.
A la sixième minute, Efrim Menuck reprend la parole pour quatre courtes phrases. Les instruments ont stoppé leur triste litanie et laisse place au nouveau constat de Menuck: le monde, même bouleversé, est condamné à la décadence (We woke up one morning and fell a little further down)
Les sept premières minutes de The Dead Flag Blues sont pessimistes, désespérées mais d'une grâce absolument désarmante. Le troisième mouvement est de loin le plus abstrait. Pendant presque 3 minutes des nappes éléctros se superposent. Aucune mélodie n'est présente. C'est durant ce passage que l'on entend pour la première fois une rame de train qui deviendra par la suite un sujet récurrent chez Godspeed You!. La fonction de ce passage est simple : après la catastrophe, les choses se remettent en mouvement. Les éléments rescapés de la fin du deuxième mouvement (amitié, solidarité et amour) peuvent alors tenter de renaître. Du néant sans harmonie réapparaissent certaines valeurs/normes.
Ces trois minutes sont extrêmement intéressantes: chaque élément sonore est au service de la mise en scène audio. Rien n'est là au hasard. Chaque piste se réfère à un objet concret vivant.
En plus d'être déjà remarquable sur la forme, le contenu tranchant est saisissant.
En effet le troisième mouvement vient s'éteindre de manière molle au pied d'une ligne de basse solide. Une ligne de basse de quatre notes et rien d'autre. Puis s'ajoute un arpège de guitare et lentement le monde se reconstruit. Et pour la première fois une batterie arrive et une section rythmique est complète dans un morceau de Godspeed You!. C'est une charpente solide, une sorte de renouveau. C'est ici que ce trouve le contraste le plus intéressant: alors que le troisième mouvement n'est qu'accumulation de sons, de bruits sans liant solide et apparemment sans logique le quatrième mouvement est à l'opposé de cet idéal musical, il est construit.
Très vite une deuxième ligne de guitare se rajoute. Cette lead guitare joue en majeur. Ce qui est également un autre élément de contraste. Le ton est désormais clair et lumineux.
Les restes d'humanismes pourraient finalement renaître. En réalité ce morceau est simple. Deux parties. Une négative de 10 minutes et une plutôt positive de plus de 6 minutes.
Simple non?
La pochette du premier album de Godspeed!
Bref, le quatrième mouvement nous donne l'impression qu'un lieu solide où peut s'épanouir et grandir l'humanisme (encore présent) est en construction. Cette structure solide est amenée par une formation classique, renforçant peut être ainsi la confiance en l'espoir apportée par cette partie.Les pistes sont plutôt simples, exceptée celle de la lead guitare qui suit un thème complexe. Un peu à l'image du morceau d'ouverture du premier cd d'Islands (un autre groupe canadien), Swan: où la technique se sacrifie au service de la beauté.
Le quatrième mouvement prend fin comme il est apparu: en s'évanouissant. Ainsi vers la quatorzième minute une espèce de fade-out met un terme à la phase de reconstruction.
S'ensuit un blanc de 10 seconde. Finalement le cinquième mouvement s'enclenche par l'arrivée d'un violon qui est suivie par deux guitares. Les guitares accompagnent le violon dans sa course. Le rythme est tempéré et équilibré. De plus les instruments jouent toujours en majeur, le ton est maintenant gai et léger. Ce cinquième mouvement qui est appelé The Dead Flag Blues outro, conclu de manière enjoué un début de morceau ultra pessimiste. Il est la fin logique d'une lente transformation vers la société idéalisée.
Enfin ce dernier passage est le plus accessible de tous et il deviendra même un des morceaux préféré des fans de Godspeed You!. Il sera d'ailleurs souvent repris durant leur concert et même tellement modifié qu'au final il deviendra un morceau à part entière.
The Dead Flag Blues est le parfait morceau d'introduction pour pénétrer dans l'œuvre immense de Godspeed You! Black Emperor. Déjà, dans ce morceau d'ouverture, on décèle tout le génie qui sera plus tard mis en œuvre sur leur deuxième cd Lift Up Your Skinny Fist Like Antennas To Heaven.
Like Antennas to Heaven propulsera Godspeed You! au club très select des meilleurs groupes du monde. The Dead Flag Blues est le lumineux croquis à l'origine de l'événement musical le plus important de ces 20 dernières années.
Première parution dans le "pasteur déchaîné" novembre 2011
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